Vous avez remporté douze prix, comment avez-vous créé votre numéro artistique, car il est très original (jonglage et équilibre) ? Cela ressemble à l’acte de Kris Kremo, mais c’est différent. À mon avis, vous êtes un visionnaire et vous avez sans aucun doute influencé d’autres magiciens. Pourriez-vous nous parler de votre carrière artistique ? Quels ont été les moments les plus importants en tant qu’artiste ?
J’ai eu la chance de naître dans une famille avec un riche héritage de cirque qui s’étend sur plusieurs générations. Mes parents et grands-parents ont tous performé dans diverses disciplines du cirque. Je suis la quatrième génération à perpétuer cet héritage. L’un de mes grands-pères était « un homme fort » qui entraînait également un éléphant, tandis que l’autre était gymnaste, acrobate et contorsionniste. Mes deux grands-pères ont épousé des femmes qui réalisaient des numéros de jonglage au cirque. Mes parents venaient de milieux différents. Ma mère s’est formée au « globe roulant » et se produisait déjà à l’Olympia de Paris à l’âge de dix ans. Mon père, initialement destiné à devenir dompteur pour les éléphants de sa famille, a été inspiré pour poursuivre les arts aériens après avoir regardé le film Trapèze avec Tony Curtis (dont les cascades étaient doublées par Émilien Bouglione au Cirque d’Hiver Bouglione). À Budapest, sans accès à de véritables installations de trapèze volant, ils ont innové en suspendant des barres horizontales dans les airs. Mon père est devenu porteur de cradle, travaillant avec son partenaire qui se lançait d’une barre horizontale dans ses mains. Leur numéro, appelé la troupe HUNOR, a finalement incorporé une balançoire russe dans une approche novatrice qui la combinait avec des acrobaties aériennes. Cela a évolué vers un nouveau style où les artistes se lançaient depuis la balançoire dans les mains d’un porteur au-dessus d’un filet — une première dans l’histoire du cirque.
Cherchant des opportunités pour se produire ensemble, mes parents ont finalement créé deux numéros : une planche sautoir et un numéro de perche sous le nom de « Duo Kristof ». Au sommet de leur carrière, ils ont remporté un Clown d’Argent à Monte-Carlo en 1977. J’ai grandi immergé dans leur univers, apprenant ce qu’il faut pour devenir un artiste de cirque accompli. Après leur retraite en 1988, mon père est devenu directeur du Cirque Capital à Budapest, ce qui a conduit à de nouveaux défis pour notre famille. En 1996, il m’a invité pour l’aider à organiser les aspects techniques du premier Festival International du Cirque de Budapest. Je suis revenu d’un contrat à la Scala Madrid, prenant finalement le rôle de directeur artistique du festival jusqu’en 2012. Au fil des ans, j’ai travaillé en tant que directeur technique, directeur artistique et même producteur.
Mon idole d’enfance était Rudi Schweitzer, un gentleman jongleur qui avait appris de son oncle et qui est devenu célèbre à la fin des années 1950, se produisant dans des lieux prestigieux comme le Lido à Paris, à Las Vegas et dans des émissions de télévision célèbres. Enfant, je l’ai vu à son apogée en Australie, en Nouvelle-Zélande et aux Philippines, et j’étais captivé. Il m’a gentiment offert des conseils et des encouragements. Toly Castors, un autre gentleman jongleur, m’a également soutenu en me prêtant ses boîtes à cigares. Ce n’est qu’au début des années quatre-vingt, en 1982/1983, que j’ai eu accès à des enregistrements vidéo de grands jongleurs comme Kris Kremo, Rudi Schweizer et Dick Franco dans une émission télévisée du London Championship. Ces maîtres ont façonné mes aspirations. Un autre mentor était Géza Gazdag, un gentleman jongleur hongrois dont la carrière a été contrainte par le régime communiste des années 1940 et 1950. Il a généreusement partagé des accessoires et des conseils, ce qui a nourri mon évolution.
En 1984, j’ai fait mes débuts avec mon numéro de jonglage solo à Budapest, me produisant avec le Cirque National Autrichien et plus tard avec Arlette Gruss lors de leur première tournée irlandaise en 1985. En 1986, j’ai eu la chance de me produire en Union soviétique pendant six mois, où j’ai également fréquenté plusieurs écoles de cirque et appris de jongleurs légendaires comme Sergei Ignatov. L’année suivante, j’ai été invité au Festival Mondial du Cirque de Demain, mon tout premier festival, où j’ai remporté une médaille d’argent à dix-sept ans. Cela a lancé ma carrière, et je n’ai pas regardé en arrière depuis.
Après avoir pris mon envol, j’ai beaucoup joué dans des spectacles de variétés et des boîtes de nuit à travers l’Europe, obtenant finalement un contrat important avec le Circo Tihany au Mexique et aux États-Unis. Le majestueux Circo Tihany a été fondé par Franz Czeisler Tihany, un hongrois qui a fait fortune en Amérique du Sud, se forgeant une réputation de plus grand et meilleur cirque d’Amérique latine. J’ai eu le privilège de travailler avec lui pendant plus de quatre ans, apprenant des leçons inestimables sur la production, la gestion, la publicité et le monde plus large du show-business.
Quand vous prenez le cigare dans votre bouche et la quantité de verres posés dessus, vous jouez avec la gravité. C’est quelque chose de très innovant, vous mettez beaucoup de théâtralisation dans votre numéro. C’est quelque chose de très visionnaire, votre numéro incarne un mélange entre théâtre, cirque et art magique. On pourrait établir un parallèle avec le numéro de Rémi Lavesnes qui joue également avec la gravité, est-ce une sorte d’illusion ?
J’ai puisé mon inspiration auprès de plusieurs artistes légendaires, mais j’ai également travaillé pour développer mon propre style. En étudiant l’histoire de ce genre intemporel, qui remonte à la fin des années 1800, j’ai conçu un numéro de gentleman jongleur qui s’éloigne des accessoires de jonglage traditionnels. Au lieu de cela, j’ai utilisé une configuration comprenant une table avec une bougie, une chaise et une structure empilée de six mètres de haut équilibrée sur un cigare, soutenue uniquement par une pièce métallique en bouche. Plutôt que d’utiliser trois balles en caoutchouc, j’ai commencé à jongler avec deux gants et une canne, créant une approche raffinée et distinctive.
J’ai cherché à repousser les limites techniques du jonglage, jouant avec la gravité pour que mes boîtes à cigares semblent flotter en l’air. La magie de l’art du cirque se produit lorsque l’impossible devient possible, et c’est un élément central de mon numéro. Réaliser une quadruple pirouette tout en lançant et rattrapant trois boîtes à cigares représente mon sommet physique — un effort pour élever la barre, comme un athlète battant des records. Mon inclusion dans le Livre Guinness des Records est l’un de mes plus grands accomplissements, surtout que ce record est resté inégalé depuis 1994, tenant bon depuis plus de trente ans. Les festivals de cirque ont été des tremplins essentiels pour les artistes indépendants. J’ai concouru dans douze festivals internationaux, remportant des prix principaux en bronze, en argent et en or, bien qu’il y ait eu deux occasions où je suis reparti les mains vides. Mais cela fait partie de la vie que nous menons, où nous risquons et défions nos propres peurs et rêves.
Comment avez-vous entendu parler du casting du film Dumbo ?
Je travaillais avec une compagnie colombienne appelée Circolombia qui prévoyait une nouvelle création à Budapest pour leur spectacle Urban, et j’étais conseiller en cirque sur le projet. Le spectacle a été présenté en avant-première à Budapest au Cirque Capital, puis à Londres au célèbre Roundhouse. Après la première londonienne, je devais rencontrer quelques créateurs importants, et quelques personnes clés se sont souvenues de mon nom en tant que créateur ayant un background en cirque classique. Lorsqu’ils ont cherché un spécialiste du cirque, mon nom est apparu dans une très longue liste de professionnels. J’ai eu trois entretiens sur Skype, d’abord avec l’assistant de casting, puis avec le directeur de casting et enfin avec le producteur qui m’a donné le feu vert pour me rendre aux studios Pinewood et plus tard j’ai pu rencontrer Tim Burton en personne. J’ai expliqué mon expérience passée au cirque, puis j’ai obtenu le poste pour soutenir le casting et organiser un événement de démonstration pour les décideurs de Disney et Tim Burton avec son équipe primée aux Oscars.
Quel était votre rôle dans le film ?
Après le casting, j’ai été invité à rejoindre l’équipe créative de Dumbo en tant que conseiller spécialiste du cirque et chorégraphe, responsable de la conception, des répétitions et de la performance de toutes les scènes de cirque avec une équipe qui a atteint plus de cent artistes. Je suis immensément reconnaissant envers Tim Burton de m’avoir donné la liberté d’incorporer de véritables numéros de cirque dans le film, permettant aux artistes de montrer leurs compétences authentiques plutôt que de simplement servir de décor vivant. Dumbo nous a donné une opportunité unique de devenir immortels en capturant nos performances sur pellicule — des moments qui vivront pour toujours. Tim a apprécié cette approche et m’a offert un petit rôle, court mais mémorable, en tant que leader de parade. Pendant quelques secondes, je me suis retrouvé à l’avant-plan, faisant tournoyer une canne et jonglant avec un haut-de-forme, menant des centaines de figurants et de stars hollywoodiennes. Ce n’était pas seulement un rôle ; c’était un hommage au détail et au dévouement que nous avons investi pour célébrer l’art du cirque. Je n’avais pas besoin de jouer un rôle — j’étais tout simplement moi-même, prenant mon chapeau et marchant naturellement. Pendant une pause, Colin Farrell est venu vers moi et m’a dit : « Kristian, tu es fantastique, on dirait que tu as fait ça toute ta vie. » Eh bien, c’était le cas.
Est-il vraiment aussi facile de donner l’illusion d’être à l’aise devant une caméra ?
À la caméra, chaque détail est magnifié. Vous regardez à travers une lentille, ce qui change la façon dont vous agissez par rapport à une scène ou à une piste de cirque. Dans les performances en direct, nous exagérons les émotions pour que le public puisse les saisir à distance. Mais à la caméra, où s’est si rapproché, chaque expression est capturée, et vous n’avez pas besoin d’en faire trop. Regarder Eva Green était une révélation ; elle pouvait « commander » la caméra sans effort, révélant que le jeu d’acteur à l’écran est vraiment un autre métier. C’était inspirant de voir un tel professionnalisme. Colin Farrell était incroyablement chaleureux et ouvert, prenant le temps de se connecter avec les personnes qu’il trouvait intéressantes. Le processus de Danny DeVito était également fascinant — chaque scène qu’il a joué apportait un niveau de lecture supplémentaire, car il ajoutait des émotions, des mouvements et des nuances à chaque direction de Tim Burton. Le voir construire un personnage, prise par prise, était incroyable. Certains décors étaient trop massifs pour tenir dans les studios Pinewood près de Londres, donc nous avons également filmé aux studios Cardington près de Bedford. Les scènes plus grandes se déroulaient dans « Dreamland » — un monde fantastique qui abritait un grand cirque pour deux mille spectateurs, un zoo et plusieurs attractions de Luna Park. Cela a été filmé à l’intérieur d’un vaste dôme, à l’origine une usine pour Zeppelins et le même studio utilisé pour Batman et Charlie et la Chocolaterie. L’échelle était si impressionnante que même les vétérans d’Hollywood l’ont remarqué, y compris Michael Keaton, qui a lui-même joué Batman. Tim Burton valorisait l’authenticité, et cela se voyait. Tout, de l’herbe à la Rolls Royce de 1920 et au train à vapeur, était réel et méticuleusement choisi. Cet engagement envers l’authenticité s’étendait également aux artistes de cirque, apportant un esprit véridique à chaque scène.
Aujourd’hui, comment pourriez-vous définir votre travail ?
Dans mon rôle actuel avec la Compagnie Recirquel, je suis directeur de casting et conseiller en cirque, et je supervise les aspects techniques du Festival du Cirque de Monte-Carlo à Monaco. C’est une opportunité fantastique d’appliquer tout ce que j’ai appris au cours de mes quarante ans de carrière en tant qu’artiste. Ayant moi-même été dans la piste, je comprends l’état d’esprit de l’artiste — surtout avec autant de pression, où le temps est compté et les solutions efficaces sont essentielles. Récemment, j’ai eu l’honneur de siéger au jury de Salieri Circus Award, du European Youth Circus Festival et du Festival Italien du Talent du Cirque. Prochainement, je voyagerai en Lituanie pour un autre festival de la jeunesse, suivi d’une grande première à Berlin au célèbre Friedrichstadt Palast présentant leur nouveau spectacle Frida and Frida.
Pourriez-vous parler plus précisément du Festival International du Cirque de Monte-Carlo et de votre processus créatif en général ? Quel est le secret pour rendre quelque chose d’intéressant, pour créer un ensemble en harmonie avec la société (en gardant la philosophie du numéro et en utilisant les nouvelles technologies) ?
À Monte-Carlo, j’ai le privilège de travailler avec une équipe exceptionnelle dirigée par M. Urs Pilz sous la présidence de S.A.S. la Princesse Stéphanie. Mon rôle implique de gérer les défis techniques liés à la production du festival, c’est un immense honneur et une expérience d’apprentissage au sein de cette grande organisation. Chaque festival présente des défis uniques, et je crois fermement à l’importance de captiver le public pour s’assurer qu’il revienne. Le Festival du Cirque de Monte-Carlo est une institution, présentant le meilleur du monde du cirque avec quarante mille spectateurs chaque année. Sa programmation représente un mélange de tradition et d’innovation, offrant des performances qui honorent l’art tout en repoussant ses limites.
Lors d’une précédente interview, nous avons rencontré Calixte de Nigremont, pourriez-vous nous parler de votre rencontre avec lui ?
Calixte est phénoménal — un véritable maître pour maintenir l’énergie entre les numéros. Il a une capacité unique à s’adapter s’il y a un quelconque retard, maintenant le rythme du spectacle. Dès qu’il entend le sifflet du régisseur, il sait exactement quand conclure et laisser le spectacle se poursuivre. Je crois sincèrement qu’il est au sommet parmi les maîtres de piste, et son rôle est essentiel au succès du Festival du Cirque de Demain à Paris. En tant que fan, j’admire son humour, son approche ouverte avec les artistes de cirque et son incroyable adaptabilité — un véritable joyau dans notre industrie.
Avez-vous déjà utilisé de grandes illusions, des illusions optiques, des illusions sonores dans votre compagnie Recirquel pour le décor ?
Bence Vági, le fondateur et esprit visionnaire de la Compagnie Recirquel, possède une vision esthétique raffinée et un goût artistique sublime. Il est profondément engagé à élever son art à un niveau d’importance culturelle mondiale, cherchant à positionner sa compagnie parmi celles qui jouent un rôle clé dans le monde de la haute culture. Bence repousse toujours les limites tant dans les aspects créatifs que techniques de son travail. Ses performances sont un moyen de communiquer des sentiments profonds et enracinés d’amour et de peur, souvent exprimés à travers un langage visuel et émotionnel.
L’une de ses créations les plus révolutionnaires est IMA (qui signifie « prier » en hongrois), une performance solo qui a introduit un nouveau genre appelé « Cirque Danse. » Présenté dans un espace immersif à trois cent soixante degrés, IMA mélange des mouvements au sol avec des éléments aériens, emmenant le public dans un voyage qui les conduit à un état de méditation. Le décor d’IMA est extraordinaire et joue un rôle central dans l’illusion de la pièce. Des milliers de rayons de lumière brillent à travers de petits trous dans une toile noire, créant un effet hypnotisant qui fait partie de la magie de la performance. Lorsque le performer et les lumières se déplacent dans des directions opposées, l’illusion de la lévitation est créée, donnant l’impression que le performer marche dans l’espace. Cette sensation est profondément puissante, évoquant des sentiments d’émerveillement et de crainte. Ce qui le rend encore plus magique, c’est que ceci est réalisé avec les outils les plus simples et les plus organiques — la lumière blanche filtrée à travers de petits trous dans la toile. C’est une approche minimaliste, mais qui est très éloquente en termes d’impact. Le résultat est une expérience magique et naturelle qui touche les sens de manière indescriptible. C’est une expérience qui doit être vécue en direct pour être pleinement appréciée.
Avez-vous des anecdotes au sujet du célèbre magicien hongrois Harry Houdini ?
Il y a un musée à Budapest et un club de magie nommé Houdini. J’ai travaillé avec beaucoup de magiciens qui sont membres de cette association. De nombreuses manières, le domaine de la magie a sa propre galaxie. J’ai travaillé récemment avec Peter Marvey à Monte-Carlo et j’ai pu être témoin de son merveilleux travail.
Avez-vous déjà mis en scène un numéro pour un magicien hongrois ?
Au cours des trente, quarante dernières années, j’ai eu le privilège de travailler avec Dávid Nagy Molnár à plusieurs reprises. Connu pour son numéro de manipulation primé aux Championnats du Monde FISM en 1997, Dávid met en scène des pipes et c’est un vrai professionnel. Nous avons partagé la scène pour diverses performances, y compris le spectacle Cabaret sous les étoiles, que nous avons joué autour de Nice et Monaco pour le Dr Alain Frère. Nous avons également eu l’occasion de travailler ensemble sur des bateaux de croisière et dans des lieux populaires dans les années 1980 et au début des années 1990 comme Maxim et le Moulin Rouge à Budapest.
Une autre figure clé de la scène magique hongroise est Jupiter, de qui j’ai appris de nombreux conseils précieux et gardé de bons souvenirs pendant mes premières années au Moulin Rouge. Son influence a joué un rôle significatif dans la formation de ma compréhension de l’art. En Hongrie, l’un des spectacles les plus réussis a été Masters of Illusions, produit par le magicien champion du monde Soma Hajnoczy. Le spectacle, qui présente de grandes illusions, tourne dans le pays depuis des années, captivant le public avec ses performances époustouflantes. Aujourd’hui, la scène du cirque hongrois compte une étoile montante en la personne de Christopher Eötvös, le fils de Susy Eötvös. Christopher se produit actuellement au Cirque Capital à Budapest, et son talent est sans aucun doute à surveiller dans les années à venir.
Je souhaiterais rendre hommage à votre père István Kristof. Pourriez-vous nous parler de lui et de son livre Ma vie, le cirque ?
Le livre de mon père, sur lequel il a travaillé pendant la pandémie, retrace à la fois sa carrière de cirque et sa vie personnelle sous l’angle professionnel. Le processus d’écriture a ressemblé à une conversation avec lui, pas à pas, comme s’il ouvrait une fenêtre sur son monde. Le livre a été écrit en hongrois par Judit S. Látó et a déjà été traduit en anglais et en russe. J’espère qu’il sera traduit dans d’autres langues à l’avenir également, car je suis incroyablement fier de mon père. C’était un homme d’une grande honnêteté, et ce livre est un témoignage de sa vie. Pour moi, il a une profonde signification personnelle et professionnelle. Un peu comme avec Dumbo — cet « enregistrement » l’a immortalisé pour qu’il vive. Son héritage est quelque chose que je porterai toujours avec moi.
Quel est votre point de vue sur la perfection pour un numéro artistique ? Pensez-vous que la perfection est une illusion ou qu’un artiste peut l’atteindre au cours de sa carrière ?
J’ai souvent dit : « La pratique rend parfait, mais puisque la perfection n’est pas atteignable, pratiquons simplement. » Cette citation m’a guidé tout au long de ma vie, me rappelant que le voyage et les efforts que nous déployons sont tout aussi importants que la destination.
Avez-vous des anecdotes ?
Je me souviens d’un moment significatif avec mon père avant un spectacle important. Un jour, il est entré dans ma loge et a dit : « Fils, aujourd’hui est un jour très important. Tu connais ton numéro, alors fais exactement cela — n’en fais pas plus, n’en fais pas moins. Souris simplement et livre-le sans effort. Profites-en ! » Puis, alors qu’il sortait, il s’est arrêté à la porte, s’est retourné et a ajouté : « Ne foire pas tout ! » C’était sa façon de me calmer avant une grande performance. Cela m’a toujours fait me sentir ancré et prêt. Merci, Papa !
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Interview réalisée en novembre 2024. Crédits photos – Documents – Copyrights avec autorisation : © Christophe Roullin / Chantal Droller / Kristian Kristof. Tous les documents et archives sont proposés sauf avis contraire des ayants droit, et dans ce cas seraient retirés.
